Paula Varona hyllar museerna och Malagas ljus i sin senaste utställning
Målaren Paula Varona har precis öppnat en utställning i Malaga som samlar två av de senaste ådrorna i hennes verk: å ena sidan målningar som reflekterar över museiutrymmen, som inkluderar konstverk med allmänheten, några dagdrömmar och ger arkitektur framträdande och å andra sidan en samling av Malaga stadslandskap, där ljuset, som är kännetecknet för hennes stil, pekar på hans Manuel de virtue-stil. katalog, som citerar Fray Luis: "Luften är fridfull och klädd i skönhet och oanvänt ljus." Prada åtföljs i katalogen av två andra stora varumärken: Álvaro Pombo och Antonio Soler, som ägnar sina texter åt denna utställning, med titeln "Rymden och ljus", i samarbete med Unicaja Foundation, som kan ses fram till den 19 juli på Museum of the Holy Week Brotherhoods i Malaga. Att läsa Pombos lovtal, säger han, har gett honom en "fridfull bekräftelse"; Soler är rörd av hur han har fattat att museer "slutar vara enkla behållare och blir levande konst", och Prada, framför allt, för att genom att säga att "för att måla ljus behöver du kärlek berörde själva kärnan av mitt arbete." Utmaningen med denna utställning i sitt hemland, påpekar Paula Varona, ligger i dess undersökning "på ett bredare och mer poetiskt sätt av förhållandet mellan ljus, färg och arkitektur", säger hon till ABC. När det gäller de målningar där han har målat allmänheten framför målningar av Klimt, Goya och andra, och i rummen på Guggenheim eller Tate Modern, kommenterar han att han ville "visa hur närvaron av betraktaren animerar museet och slutar med att bli en del av scenen" i en "atmosfär av fridfull kontemplation".
Människor, några nära och kära, även grupper av främlingar, framför verken eller i rummen, "fyller allt med rörelse och mänsklighet, förvandlar museer till känslomässiga landskap där konstens historia och det dagliga livet smälter samman på ett naturligt sätt." För målaren kan den känslan bara tillhandahållas av mänsklig erfarenhet. Jag är intresserad av det förhållandet: hur konst förvandlar betraktaren och samtidigt hur blicken förvandlar själva konsten. Vid ett tillfälle tog han ett självporträtt bredvid "Garden of Earthly Delights", som han målade överfull av varelser: "Jag ville representera att jag inte visar konsten, fascinationen och fascinationen. livet blandas tills de tappar sina gränser, och man hamnar i det mysteriet från närhet och känslor", hävdar han.
Konstnären understryker sin önskan om att "konst slutar uppfattas som något avlägset eller inneslutet i en ram", säger hon, "och blir en levande närvaro. Den sanna magin ligger där: betraktaren måste känna att de inte längre bara tittar på, utan deltar i den verkligheten. Det finns två målningar som visar Goyas hund (svarta målningar) där han en gång har sovit in sin egen målande hund, för den andra har han sovit frid, för mig. är inte bara husdjur, utan en del av familjen, närvaro fulla av tillgivenhet, lojalitet och vardagsvärme." När det gäller porträttet av nära och kära i sina museimålningar minns han att "många konstnärer i det förflutna inkorporerade dem som är en del av deras närmaste intimitet, och det ger verken en djupt mänsklig dimension.
I mitt fall introducerar de närhet, minne och liv, och gör att de representerade utrymmena känns mer bebodda och verkliga. Staden Malaga, dess stadsdelar och dess maritima natur, är den andra huvudpersonen i Paula Varonas utställning. Han anser att "det finns en mycket speciell klarhet i Malaga som tycks omfamna arkitekturen och göra allt ljusare.
Och havet, som alltid är närvarande, påverkar direkt min palett: dessa livfulla och föränderliga blues är omöjliga att skilja från stadens visuella identitet. Å andra sidan, angående en imponerande utsikt över Ronda, säger han att "passagen av havets mynt till Rondental var inte fallet. Jag ville visa hur samma medelhavsljus radikalt kan omvandlas beroende på landskapet.
Från hamnens öppna och fridfulla horisont passerar jag till Tejos vertikala drama, där djupet skapar en nästan svindlande känsla. "Jag är intresserad av att tittaren känner den kontinuiteten, upptäcker olika känslor under samma ljus." Det och andra storformatsmålningar har varit en utmaning. "När scenen behöver involvera tittaren fysiskt väljer jag det stora formatet", säger han. Det är inte en fråga om storlek i sig, utan om den känslomässiga upplevelse som jag vill förmedla." Å andra sidan, i målningar inne på museer eller i monumentala utrymmen som Guggenheim, Turbine Hall of the Tate Modern eller Tajo de Ronda, "låter det stora formatet ljuset, arkitekturen och livet som bebor dem bli nästan andningsbart." Varona drar slutsatsen att "med dessa verk vill jag inte bara begrunda, utan att måla." känner att de går in i det och är en del av dess utrymme."
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
14 maj 2026, 19:18
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
Paula Varona rinde homenaje a los museos y a la luz de Málaga en su última exposición
Beskrivning
La pintora Paula Varona acaba de inaugurar en Málaga una exposición que reúne dos de las vetas más recientes de su obra: por un lado, pinturas que reflexionan sobre los espacios museísticos , que incluyen las obras de arte junto al público, algunas ensoñaciones y dan protagonismo a la arquitectura y, por el otro, una colección de paisajes urbanos malagueños , donde la luz, que es la marca de su estilo, cobra una virtud que Juan Manuel de Prada señala en su texto para el catálogo, citando a Fray Luis: «El aire se serena y viste de hermosura y luz no usada». Acompañan a Prada en el catálogo otras dos grandes firmas: Álvaro Pombo y Antonio Soler , que dedican sus textos a esta muestra, titulada 'Espacios y luces', con la colaboración de Fundación Unicaja, que puede verse hasta el 19 de julio en el Museo de las Cofradías de la Semana Santa malagueña. Leer el elogio de Pombo, según dice, le ha aportado una «confirmación serena»; Soler le emociona por cómo ha captado que los museos «dejan de ser simples contenedores para convertirse en arte vivo», y Prada, sobre todo, porque al afirmar que «para pintar la luz hace falta amor tocó el núcleo mismo de mi trabajo». El reto de esta exposición en su tierra, señala Paula Varona, estriba en su indagación «de una manera más amplia y poética en la relación entre la luz, el color y la arquitectura», dice a ABC. Sobre aquellos cuadros en los que ha pintado al público frente a cuadros de Klimt, Goya y otros, y en las salas del Guggenheim o la Tate Modern, comenta que quería «mostrar cómo la presencia del espectador anima el museo y acaba formando parte de la escena» en una «atmósfera de contemplación serena». Las personas, algunos seres queridos, también grupos de desconocidos, frente a las obras o en las salas, «llenan todo de movimiento y humanidad, transforman los museos en paisajes emocionales donde la historia del arte y la vida cotidiana se funden de una manera natural». Para la pintora, esa emoción «solo la puede aportar la experiencia humana. Me interesa esa relación: cómo el arte transforma a quien mira y, al mismo tiempo, cómo la mirada transforma el propio arte». En una ocasión, se ha autorretratado junto al 'Jardín de las Delicias', que pinta desbordante de criaturas: «He querido representar que yo no estoy fuera del arte. Muestro la entrega, la fascinación y la alegría, porque la pintura y la vida se mezclan hasta perder sus límites, y una acaba entrando en ese misterio desde la cercanía y la emoción», asevera. La artista remacha su deseo de que «el arte deje de percibirse como algo distante o encerrado dentro de un marco -afirma- y se convierta en una presencia viva. La verdadera magia reside ahí: el espectador debe sentir que ya no está simplemente mirando, sino participando de esa realidad». Hay dos pinturas que muestran la del perro de Goya (pinturas negras) en las que ha incluido a su propio perro, una vez dentro del cuadro y la otra dormido plácidamente. «Para mí, no son solo animales de compañía, sino parte de la familia, presencias llenas de afecto, lealtad y calidez cotidiana». Sobre el retrato de personas queridas en sus cuadros de museos, recuerda que «muchos artistas incorporaron en el pasado a quienes forman parte de su intimidad más cercana, y eso aporta a las obras una dimensión profundamente humana. En mi caso, introducen cercanía, memoria y vida, y hacen que los espacios representados se sientan más habitados y reales». La ciudad de Málaga, sus barrios y su naturaleza marítima, es la otra protagonista de la exposición de Paula Varona. Considera que «hay en Málaga una claridad muy especial que parece abrazar la arquitectura y hacerlo todo más luminoso. Y el mar, siempre presente, influye de una manera directa en mi paleta: esos azules vibrantes y cambiantes son imposibles de separar de la identidad visual de la ciudad». Por otro lado, sobre una impresionante vista de Ronda afirma que «el paso del mar a Ronda no fue casual. Quise mostrar cómo una misma luz mediterránea puede transformarse radicalmente según el paisaje. Del horizonte abierto y sereno del puerto paso al dramatismo vertical del Tajo, donde la profundidad crea una sensación casi vertiginosa. Me interesa que el espectador sienta esa continuidad, descubriendo distintas emociones bajo una misma luz». Ese y otros cuadros de gran formato han sido un desafío. «Cuando la escena necesita envolver físicamente al espectador elijo el gran formato -asegura-. No es una cuestión de tamaño en sí mismo, sino de la experiencia emocional que quiero transmitir«. Por otro lado, en cuadros de los interiores de los museos o en espacios monumentales como el Guggenheim, la Sala de Turbinas de la Tate Modern o el Tajo de Ronda, «el gran formato permite que la luz, la arquitectura y la vida que habitan en ellos, se vuelvan casi respirables». Varona concluye que «con estas obras quiero que el espectador no solo contemple el cuadro, sino que sienta que entra en él y forma parte de su espacio».
