Calder, konstens lindrare, återvänder till Paris ett sekel senare
Han hade konst i sitt DNA: hans mamma var målare, hans far och farfar var skulptörer. "De uppfostrade mig inte, de inramade mig", sa han. Han tog dock examen i maskinteknik. Men eftersom gener har mycket inflytande var hans konstnärliga kall oundviklig. Han tränade på Arts Students League i New York. Alexander Calder (Philadelphia, 1898-New York, 1976), "vindens skulptör, månsmed, poet styrd av en vetenskapsmans instinkter", som han har definierats, återvänder till Paris, dit han anlände 1926 full av drömmar och briljanta idéer. Mycket snart integrerades han i den konstnärliga gemenskapen i dåtidens sprudlande Montparnasse. Under titeln "Dreaming in Balance" firar en exceptionell retrospektiv på Louis Vuitton Foundation i Paris ett dubbeljubileum: Hundraårsdagen av Calders ankomst till den franska huvudstaden, 1926, och femtioårsdagen av hans död, 1976. Calders berömda utställning tycks förvandlas till ett vackert utställningsutrymme. koreograferad dans. "Ingenting är fixat", löd skulptörens trosbekännelse, som en dag frågade sig själv: Varför ska konst vara statisk? Han tänkte inte efter och satte igång sina skulpturer. 1900-talets konst började röra på sig. Calder skulpterade rörelsen. Han lyfte alltid fram den radikala moderniteten i hans tänkande och konstnärliga praktik. Dess kraftfulla inflytande på efterföljande generationer är fortfarande giltigt. Det är en av de mest kompletta utställningarna hittills av denna oklassificerbara skapare, och det har funnits många runt om i världen (den som MoMA tillägnade honom 1943 etablerade honom som en av modern konsts mästare). Siffrorna talar för sig själva: 317 verk (135 skulpturer, 20 målningar, 30 verk på papper, 51 smycken, 34 fotografier och fyra audiovisuella föremål) upptar alla utrymmen i Gehry-byggnaden (mer än 3 000 kvadratmeter), inklusive för första gången trädgården, där två monumentala skulpturer: 'Black exhibit Slagted' och 'Black exhibits. I foajén till stiftelsen välkomnas besökaren av mobilen "Rouge triomphant", från Nahmad-kollektionen. Calder, den mest franskamerikanska konstnären, är inte ensam på denna spännande resa tillbaka till Paris. Han har sällskap av kollegor och vänner som Miró, Arp, Picasso, Kandinsky, Klee, Léger, Barbara Hepworth, Mondrian, Hélion... och en grupp kända fotografer som förevigat konstnären och dokumenterat hans arbetsprocess: Cartier-Bresson, André Kertész, Ugo Mulas, Arnold Newman, Manogrand, Garry bland andra. Korpulent och med ett illasinnat ansikte i de flesta ögonblicksbilderna säger de att han hade ett fantastiskt sinne för humor. Och talang, i överflöd. Gehrys imponerande byggnad i det parisiska Bois de Boulogne avslöjar fram till den 16 augusti alla aspekter av den amerikanske skaparen och alla hans scener, från slutet av 1920-talet till hans monumentala skulpturer för offentliga rum på 60- och 70-talen. Kuratorerna Suzanne Pagé, Dieter Buchhart och Anna Karina Hofbauer föreslår en kronologisk och tematisk rundtur. I samarbete med Calder Foundation (huvudlångivare, ordförande av Alexander S. C. Rower, konstnärens barnbarn), och med verk utlånade av de mest framstående museerna i världen och privata samlingar med stamtavla, utmärker sig ett exceptionellt lån från Whitney Museum i New York, som har lånats ut av Calder Circus, en fröjd med vilken utställningen börjar med mörka väggar. Det tillhandahålls sällan. Ansett som föregångaren till performance och happening, var denna miniatyrcirkus, halvvägs mellan konst och teater, mellan den dadaistiska kabarén och musiksalen, laboratoriet där han kunde experimentera med sina galnaste idéer. Det blev en riktig händelse i huvudstaden som fängslade det parisiska avantgardet. Le Corbusier, Karl Einstein, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jean Cocteau, Theo van Doesburg kom för att se hans föreställningar... Han började den 1926 i sin ateljé på rue Daguerre och avslutade den fem år senare, 1931. Han gav liv åt små akrobater, clowner, tämjare, tightrope, tyger, tyger, tyger, tyger, tyg rep, gummi eller kork. Calder är ceremonimästare. Whitneys inventering innehåller 69 karaktärer och djur, åtta mekaniska system, nittio tillbehör (tyger, mattor, lampor), element för ljudeffekter och fem resväskor för transport. I en film av Carlos Vilardebó, från 1961, ser vi Calder som driver sin cirkus. Det är fantastiskt att se det i aktion. Verken som ställs ut i ett dussin gallerier på olika våningar i Louis Vuitton Foundation sträcker sig över ett halvt sekel av skapande och tar upp alla Calders konstnärliga angelägenheter: rörelse, ljus, ödmjuka material, ljud, gravitation, rymd... Det finns i utställningen ett överväldigande urval av hans berömda mobiler (av alla storlekar och former): 'Eucalyptus', 'Peacocklard of very force', 'Peacocklard'... fotogenisk. Till en början manövrerades de manuellt eller mekaniskt; senare kom de till liv med bara en vindpust. Termen "mobiler" myntades av Duchamp 1931. Hans "stabiles" (stallar) finns också: det var så Arp kallade sina statiska pjäser från 1930-talet, efter Duchamps vokabulär. Under rundturen beundrade vi dess utsökta trådporträtt, vars skugga reflekteras på väggarna. Calder ritade med tråd i rymden. Han ville eliminera massan av skulpturen med ett flexibelt och lätt material som gjorde att han kunde införliva rörelser i sina skulpturer. Han porträtterar karaktärer som Kiki de Montparnasse, som vi ser posera för hennes i en film, eller Joséphine Baker, båda musor från det skurkiga Paris på det rytande 20-talet. Calder kallade dem "tredimensionella linjeteckningar" och de gav honom smeknamnet "kungen av tråden". Hans kreativa universum är fullt av ödmjuka, enkla, hittade, kasserade och återvunna material. Hans abstrakta målningar hänger i ett av rummen. I oktober 1930 besökte Calder Piet Mondrians studio i Paris. Det var en chock för honom. Han blev djupt rörd av arbetsytan hos denna pionjär inom abstrakt konst. Hans arbete tog en radikal vändning mot abstraktion. "Det besöket hade en djupgående inverkan på mig och var utgångspunkten", mindes konstnären en tid senare. Under de följande två veckorna producerade han en serie målningar fria från figurativa referenser. Vi fortsätter besöket och stöter på fiskar som verkar simma genom ett av rummen (de är anledningen till ett dussin upphängda mobiler som han tillverkade på 40- och 50-talen); bronsskulpturer, gongonger (mobiler med ljudelement) och torn (arkitektoniska trådkonstruktioner artikulerade längs en diagonal axel), 'Constellations' (tillverkade i hans Roxbury-studio i snidat trä och tråd och presenterades 1943 på Pierre Matisse-galleriet i New York, de är sammansättningar som verkar "klättra upp på väggarna" liknar lekfulla tomtar, i utskuren svart metall)... I ett av gallerierna visas deras utsökta smycken (vissa i montrar, andra på skyltdockor). 1906 skapade hon sina första smycken till sin syster Peggys dockor. Från slutet av 1920-talet skapade han unika verk med hjälp av tråd med fragment av glas eller keramik. Senare skulle han använda silver och till och med guld. De är tänkta som bärbara skulpturer. Armband, örhängen, ringar, bälten, halsband, broscher, tiaror och kronor visas... Han gjorde smycken till sin fru, Louisa, åt Charlotte Perriand, Jeanne Buñuel, Peggy Guggenheim, Georgia O'Keeffe, Bella Chagall och Elisa Breton. Det råder ingen brist på monumentala skulpturer som den röda metallmodellen av 'La grande vitesse', som han gjorde för Grand Rapids i Michigan. En annan attraktion med utställningen är modellen (skala 1:3) av hans 'Mercury Fountain', som ställdes ut tillsammans med 'Guernica' på '37 International Exhibition i Paris. Det är ett lån från Calder Foundation. Konstnären bjöds in av arkitekten Josep Lluís Sert att designa en fontän i den spanska paviljongen i den spanska republiken. Han använde kvicksilver (ett mycket giftigt material) från Almadéngruvorna. Det symboliserade det republikanska motståndet under inbördeskriget. Kvicksilvret flödade genom de rundade formerna av Calder och, när de gick in i fontänen, flyttade den nedre delen av mobilen, där trådstrukturen som hänger ovanför och som står "Almadén", tillsammans med den röda skivan, konstant vibrerar. Calder donerade pjäsen till Miró Foundation i Barcelona. En modell ställs ut i Reina Sofia, några meter från "Guernica". Ett fotografi av Hugo P. Herdeg förevigade Calder bredvid sin fontän framför "Guernica". Sartre var den bästa kritikern av Alexander Calders verk. «Jag vet inte konst som är mindre falsk än hans. Hans skulpturer är märkliga varelser, mitt emellan materia och liv. Hans motiv är på en gång lyriska uppfinningar, tekniska, nästan matematiska kombinationer och naturens påtagliga symbol. De är föremål som definieras av sin rörelse och som inte existerar utan den. "De livnär sig på luften, de andas den och de tar sitt liv från atmosfären." Betraktarens deltagande är avgörande för att fullborda hans arbete. Under en tid fick allmänheten röra vid hans skulpturer på utställningar. På ett arrangerat av MoMA 1943 hängde en skylt där det stod: "Vänligen knacka på." Samma sak hände vid en annan som hölls på Tate 1962. Men saker och ting gick utom kontroll två år senare på Guggenheim i New York. Stora priset för skulptur vid Venedigbiennalen 1952 visste Alexander Calder inga gränser. Han gjorde mobiluppsättningar till en balett av Martha Graham och till ett symfoniskt drama av Erik Satie. Han antog utmaningen att måla en BMW, som tävlade i 24 Hours of Le Mans. Den beställdes av piloten Hervé Poulain 1975. 'Art Car. BMW 3.0 CLS kunde ses i utställningen som Centro Botín i Santander tillägnade Calder 2019. 1973 vågade han måla ett passagerarplan för Braniff International Airways. Det kallades 'Flying Colors of the United States'. Det är det största flyttverket i historien. Bernard Arnault, ordförande för Luis Vuitton Foundation, betonar att «Calder framstår som mer samtida och med en större framtidsvision än någonsin. Han skapade sitt eget universum där livet tar fart och drömmer dialog med rum och tid. Han är en fascinerande och fängslande konstnär. Under konstruktionen av Louis Vuitton Foundation brukade min rådgivare Jean-Paul Claverie och jag prata om hur otroligt det skulle vara att en dag se utrymmena designade av Frank Gehry som värd för Calders skulpturer. "Den drömmen har gått i uppfyllelse." Det är utan tvekan en av de stora attraktionerna under den parisiska konstnärliga säsongen.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
18 april 2026, 04:13
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
Calder, el funambulista del arte, regresa a París un siglo después
Beskrivning
Llevaba el arte en el ADN: su madre era pintora, su padre y su abuelo, escultores. «No me criaron, me enmarcaron», decía. Sin embargo, se graduó en ingeniería mecánica. Pero como los genes tiran mucho era inevitable su vocación artística. Se formó en la Arts Students League de Nueva York. Alexander Calder (Filadelfia, 1898-Nueva York, 1976) , « escultor del viento, herrero lunar , poeta guiado por los instintos de un científico», como le han definido, regresa a París, adonde llegó en 1926 cargado de ilusiones y brillantes ideas. Muy pronto se integró en la comunidad artística del efervescente Montparnasse de la época. Bajo el título 'Soñar en equilibrio' , una excepcional retrospectiva en la Fundación Louis Vuitton de París conmemora un doble aniversario: los cien años de la llegada de Calder a la capital francesa, en 1926, y los cincuenta de su muerte, en 1976. Los celebérrimos móviles de Calder parecen flotar en los espacios creados por Frank Gehry , transformando la exposición en una hermosa danza coreografiada. «Nada es fijo», rezaba el credo del escultor, quien un día se preguntó: ¿Por qué el arte debe ser estático? No se lo pensó dos veces y puso sus esculturas a moverse. El arte del siglo XX echó a andar. Calder esculpió el movimiento. Siempre destacó la modernidad radical de su pensamiento y su práctica artística. Su poderosa influencia en las generaciones posteriores sigue aún vigente. Es una de las exposiciones más completas hasta la fecha de este creador inclasificable, y ha habido muchas en todo el mundo (la que le dedicó el MoMA en 1943 lo consagró como uno de los maestros del arte moderno). Las cifras hablan por sí solas: 317 obras (135 esculturas, 20 pinturas, 30 trabajos sobre papel, 51 joyas, 34 fotografías y cuatro audiovisuales) ocupan todos los espacios del edificio de Gehry ( más de 3.000 metros cuadrados ), incluido por primera vez el jardín, donde se exhiben dos esculturas monumentales: 'Black Flag' (Bandera negra) y 'Five Swords' (Cinco espadas). En el vestíbulo de la fundación recibe al visitante el móvil 'Rouge triomphant', de la colección Nahmad. Calder, el artista norteamericano más francés, no está solo en este emocionante viaje de regreso a París. Le acompañan colegas y amigos como Miró, Arp, Picasso, Kandinsky, Klee, Léger, Barbara Hepworth, Mondrian, Hélion... y un grupo de célebres fotógrafos que inmortalizaron al artista y documentaron su proceso de trabajo: Cartier-Bresson, André Kertész, Ugo Mulas, Arnold Newman, Irving Penn, Man Ray o Garry Winogrand, entre otros. Corpulento y con cara de mal genio en la mayoría de las instantáneas, cuentan que tenía un gran sentido del humor. Y talento, a raudales. El imponente edificio de Gehry en el Bois de Boulogne parisino desvela, hasta el 16 de agosto, todas las facetas del creador norteamericano y todas sus etapas, desde finales de la década de 1920 hasta sus esculturas monumentales para espacios públicos de los 60 y 70. Los comisarios, Suzanne Pagé, Dieter Buchhart y Anna Karina Hofbauer, plantean un recorrido cronológico y temático. En colaboración con la Fundación Calder (principal prestadora, la preside Alexander S. C. Rower , nieto del artista), y con obras cedidas por los museos más señeros del mundo y colecciones privadas con pedigrí, destaca un préstamo excepcional del Whitney Museum de Nueva York, que ha cedido el Circo Calder , una delicia con la que arranca la muestra en una sala con paredes oscuras. Apenas suele prestarse. Considerado el antecedente de la performance y el happening , este circo en miniatura, a caballo entre el arte y el teatro, entre el cabaret dadaísta y el music-hall, fue el laboratorio donde pudo experimentar sus ideas más locas. Se convirtió en todo un acontecimiento en la capital, cautivando a la vanguardia parisina. Acudieron a ver sus representaciones Le Corbusier, Karl Einstein, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jean Cocteau, Theo van Doesburg... Lo comenzó en 1926 en su estudio de la rue Daguerre y lo completó cinco años después, en 1931. Dio vida a diminutos acróbatas, payasos, domadores, equilibristas, bailarinas..., realizados con mimo con materiales humildes como alambre, tela, cuerda, caucho o corcho. Calder es el maestro de ceremonias. El inventario del Whitney atesora 69 personajes y animales, ocho sistemas mecánicos, noventa accesorios (telas, alfombras, lámparas), elementos para los efectos de sonido y cinco maletas para su transporte. En una película de Carlos Vilardebó, de 1961, vemos a Calder accionando su circo. Es increíble verlo en acción. Los trabajos expuestos a través de una docena de galerías en distintas plantas de la Fundación Louis Vuitton abarcan medio siglo de creación y abordan todas las preocupaciones artísticas de Calder: el movimiento, la luz, los materiales humildes, el sonido, la gravedad, el espacio... Hay en la muestra una apabullante selección de sus famosos móviles (de todos los tamaños y formas): 'Eucalyptus', 'Peacock', 'Lily of Force', 'Blizzard'... Son muy fotogénicos. Al comienzo eran accionados manual o mecánicamente; más tarde, cobraban vida con solo una ráfaga de aire. El término 'móviles' fue acuñado por Duchamp en 1931. También están presentes sus 'stabiles' (estables): así fueron bautizabas por Arp sus piezas estáticas de los años 30, siguiendo el vocabulario duchampiano. Durante el recorrido admiramos sus exquisitos retratos en alambre , cuya sombra se refleja en las paredes. Calder dibujó con alambre en el espacio. Quiso eliminar la masa de la escultura con un material flexible y ligero que le permitía incorporar movimientos a sus esculturas. Retrata a personajes como Kiki de Montparnasse, a la que vemos posando para el suyo en una película, o Joséphine Baker, musas ambas del París canalla de los locos años 20. Calder los denominó 'dibujos lineales tridimensionales' y le valieron el sobrenombre del 'rey del alambre' . Su universo creativo está repleto de materiales humildes, sencillos, encontrados, desechados y reciclados. Cuelgan en una de las salas sus pinturas abstractas. En octubre de 1930, Calder visitó el estudio parisino de Piet Mondrian. Fue para él un shock. Quedó profundamente conmovido por el espacio de trabajo de este pionero del arte abstracto. Su trabajo dio un giro radical hacia la abstracción. «Esa visita me impactó profundamente y fue el punto de partida», recordaba el artista tiempo después. Durante las dos semanas siguientes produjo una serie de pinturas libres de referencias figurativas. Continuamos la visita y nos topamos con peces que parecen nadar por una de las salas (son el motivo de una docena de móviles suspendidos que realizó en los años 40 y 50); esculturas en bronce, gongs (móviles con elementos sonoros) y torres (construcciones arquitectónicas de alambre articuladas a lo largo de un eje diagonal), 'Constelaciones' (realizadas en su estudio de Roxbury en madera tallada y alambre y presentadas en 1943 en la galería Pierre Matisse de Nueva York, son ensamblajes que parecen trepar por las paredes), 'Crags & Critters' (criaturas fantásticas que semejan duendes juguetones, en metal negro recortado)... En una de las galerías se muestran sus exquisitas joyas (unas en vitrinas, otras en maniquíes). En 1906 creó sus primera piezas de joyería para las muñecas de su hermana Peggy. Desde finales de la década de 1920 elaboró obras únicas utilizando alambre con fragmentos de cristal o cerámica. Más tarde usaría plata e incluso oro. Son concebidas como esculturas portátiles. Se exhiben pulseras, pendientes, anillos, cinturones, collares, broches, tiaras y coronas... Hizo joyas para su esposa, Louisa, para Charlotte Perriand, Jeanne Buñuel, Peggy Guggenheim, Georgia O'Keeffe, Bella Chagall o Elisa Breton. No faltan esculturas monumentales como la maqueta en metal rojo de 'La grande vitesse', que realizó para Grand Rapids en Michigan. Otra de las atracciones de la muestra es la maqueta (a escala 1:3) de su 'Fuente de mercurio' , que se exhibió junto al ' Guernica' en la Exposición Internacional del 37 en París . Es un préstamo de la Fundación Calder. El artista fue invitado por el arquitecto Josep Lluís Sert para diseñar una fuente en el pabellón español de la República española. Utilizó mercurio (un material altamente tóxico) de las minas de Almadén. Simbolizó la resistencia republicana durante la Guerra Civil. El mercurio fluía por las formas redondeadas por Calder y, al entrar en la fuente, movía la parte inferior del móvil, donde la estructura de alambre que cuelga arriba y que reza 'Almadén', junto con el disco rojo, vibran constantemente. Calder donó la pieza a la Fundación Miró de Barcelona. Una maqueta se exhibe en el Reina Sofía, a unos metros del 'Guernica'. Una fotografía de Hugo P. Herdeg inmortalizó a Calder junto a su fuente ante el 'Guernica'. Sartre fue el mejor crítico de la obra de Alexander Calder. «No conozco arte menos falso que el suyo. Sus esculturas son extrañas criaturas, a medio camino entre la materia y la vida. Sus móviles son a la vez invenciones líricas, combinaciones técnicas, casi matemáticas, y el símbolo tangible de la naturaleza. Son objetos definidos por su movimiento e inexistentes sin él. Se alimentan del aire, lo respiran y toman su vida de la atmósfera». La participación del espectador es fundamental para completar su obra. Durante un tiempo se permitía al público tocar sus esculturas en las exposiciones. En una organizada por el MoMA en 1943 colgaba un letrero que decía: 'Por favor, toque'. Lo mismo ocurrió en otra celebrada en la Tate en 1962. Pero las cosas se descontrolaron dos años después en el Guggenheim de Nueva York. Gran premio de Escultura en la Bienal de Venecia de 1952 , Alexander Calder no conocía límites. Hizo escenografías móviles para un ballet de Martha Graham y para un drama sinfónico de Erik Satie. Aceptó el reto de pintar un BMW, que compitió en Las 24 Horas de Le Mans. Fue un encargo del piloto Hervé Poulain en 1975. 'Art Car. BMW 3.0 CLS' pudo verse en la exposición que le dedicó a Calder el Centro Botín de Santander en 2019. En 1973, se atrevió a pintar un avión de pasajeros para Braniff International Airways. Se llamó 'Flying Colors of the United States'. Es la obra en movimiento más grande de la Historia. Bernard Arnault, presidente de la Fundación Luis Vuitton , subraya que «Calder se muestra más contemporáneo y con mayor visión de futuro que nunca. Creó un universo propio donde la vida alza el vuelo y los sueños dialogan con el espacio y el tiempo. Es un artista fascinante y cautivador . Durante la construcción de la Fundación Louis Vuitton, mi asesor Jean-Paul Claverie y yo solíamos hablar de lo increíble que sería ver algún día los espacios diseñados por Frank Gehry acoger las esculturas de Calder. Ese sueño se ha hecho realidad». Es, sin duda, una de las grandes atracciones de la temporada artística parisina.
