Sopranen Vida Miknevičiūtė är en ouppnåelig Salomé
Operasäsongen på det valencianska Palau de les Arts fortsätter och kedjar fram framgångar med ovanlig naturlighet. Gounod, Francisco Coll, Verdi, Tchaikovsky och Handel ger nu plats för Richard Strauss och hans "Salomé", som presenteras med scenisk regi av Damiano Michieletto, musikal av James Gaffigan och en skådespelare ledd av Vida Miknevičiūtė. Den litauiska sopranen gör sin spanska presentation som bekräftar en internationell karriär där hon inte har slutat klättra positioner.
Chrysothemis i 'Elektra', med Daniel Barenboim, 2019; Elsa från 'Lohengrin'. regisserad av Matthias Pintscher 2020, och Sieglinde från 'Valkyrian' tillsammans med Christian Thielemann 2023, markerar avgörande punkter i en karriär där 'Salomé' intar en ledande position. Likt Salomé blir Miknevičiūtė ett vokalt fenomen vars rötter flyttar sig bort från de vanliga framträdandena av sopraner med breda röster och rungande dramatik. Hans förslag återställer det lyriska och något naiva omfång som Strauss hävdade och som bulgariskan Ljuba Welitsch kunde försvara på sin tid, som utmattade sin karriär efter att ha utsatt sin strupe för karaktärens vokala oklarheter.
Miknevičiūtė mäter styrka, men inte i en konservativ mening utan som en form av uttrycksfull koncentration. Den ungdomliga styrkan, renheten, det föga tilltalande, stålsatta topparna och värmen är en ständig inspirationskälla för en roll som blickar direkt mot slutscenen där sången, och den nästan stoppade handlingen, ger verket mening. Den 15 maj kan Miknevičiūtė höras, tillsammans med National Orchestra and Choir of Spain och regissören David Afkham, i första akten av 'The Valkyrie'.
Miknevičiūtės triumf i Valencia är ett faktum som kan överskugga andra perspektiv oavsett rollbesättningens robusthet, intensiteten i den musikaliska riktningen och det konsekventa sceniska förslaget. De sista hälsningarna, som upprepades av alla tolkarna samtidigt och inte separat, förhindrade ett mer individualiserat erkännande av var och en av dem. Till exempel av James Gaffigan, som återigen förvandlar Orquestra de la Comunitat Valenciana till en nödvändig inducerare.
Den instrumentala kvaliteten, färgen, ljudstrukturen står för den symfoniska säkerheten som uppnås i 'Salomé Flexibiliteten i ackompanjemanget och medverkan till inställningen förklarar punkten för sammansmältning med drömmar och spöken som går genom Michielettos produktion. Nicholas Brownlee konstruerar rollen som Jochanaan med ett superbt centrum, med en rund och kompakt röst, mycket i linje med en viktig fysisk framtoning bakom vilken den "tunna elfenbensstatyn" som Salomé ser i honom förblir en ren anekdot. Strauss sa att han skulle ha velat att karaktären skulle vara lite grotesk, men så är inte fallet.
Den har mycket substans. Naiviteten, avsaknaden av veck och den väsentligen primära naturen är reserverade för Narraboth, mycket välsjungen och skådespelad av den amerikanske tenoren Christopher Sokolowski. Den brittiske tenoren John Daszak förvandlar Herodes till en depraverad person genom en metallisk, skarp och skarp röst.
Salome, som alla myter som beskriver människans existens, lever i en avlägsen tid och på en obestämd plats och framträder därifrån med mycket olika utseende. Titian uppmärksammade dess lugna bibliska dimension; Caravaggio föredrog att fokusera på sin lusts chiaroscuro; Aubrey Beardsley grävde ner sig i karaktärens störande sensualitet, och hans teckningar ackompanjerade Oscar Wildes ikoniska berättelse, fortfarande giltig i den moderna representationen av karaktären. Dalí, Gustave Moreau, Edvard Munch, Anglada-Camarasa... försökte frammana dess dödliga dragningskraft.
Det finns inte en enda Salome, precis som det inte finns en enda Orfeus eller en enda Don Quijote, och någon av deras representationer antyder ofullkomlighet. Damiano Michielettos scenverk har också sprickor, i sitt försök att vara svaret på den operiska rekreationen signerad Strauss, som i sin tur destillerade Wildes drama. Men verket har mening och inriktning, och växer samtidigt som arbetet med de sju slöjornas dans som fullbordandet av en patricidal våldtäkt.
Det är då som Herodes mask återges i många andra karaktärer som dansar och samarbetar i övergreppen, definitivt uttryckt genom monumentaliteten hos en stor vit klänning från vilken otaliga långa röda trådar hänger som ett uttryck för blod. Bilden är kraftfull och länkar utan eftergift till en sista scen som lämnar obestridliga musikaliska och sceniska eftersmaker tills Salomé slutligen sliter ut håret för att beklaga från ålderdom det som nu är omöjligt att återhämta sig. Han gör det i skuggan av en stor cameo med bilden av Jochanaan, som hänger omgiven av gyllene strålar som en aura av helighet: "Jag vet att du skulle ha älskat mig", säger han kort innan han slutligen faller ner i fångens cistern.
Den moderna bilden av Salomé som en femme fatale är fortfarande aktiv även om Michieletto förklarar det genom att gå tillbaka till det ögonblick då hon som barn våldtogs av sin pappa och sedan hamnade i övergrepp av sin styvfar. Fördubblingen av karaktären äger rum, upplever barndom och mognad, medan omkring honom framträder den oroande visionen av sex svartvingade änglar, som den nuvarande ikonografin fortsätter att vörda som en syntes av förlösning, av det plågade och det korrupta. Därifrån blir 'Salomé' en liturgi som, bortom sin abstrakta arkitektur, utvecklar en uppenbar rituell vilja.
Allt detta gissas lite i taget eftersom, om utgångspunkten är oroande, så överträffar målet det når förväntningarna. Den ceremoniella närvaron av elden som omger cisternen där Jochanaan är fängslad, hans upphöjning på ett altare med namnet Herodes och ett lamm i hans famn, blodspillet... är kraftfulla symboler som hjälper till att intensifiera den gränsande känslan av en tidlös personlighet som Vida Miknevičiūtė, och hela det konstnärliga teamet i denna produktion, gör den här produktionen trovärdig.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
26 april 2026, 18:29
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
La soprano Vida Miknevičiūtė es una Salomé inalcanzable
Beskrivning
Prosigue la temporada operística del Palau de les Arts valenciano encadenando los éxitos con una naturalidad insólita. Gounod, Francisco Coll, Verdi, Chaikovski y Haendel dejan paso, ahora a Richard Strauss y su ' Salomé ', que se presenta con dirección escénica de Damiano Michieletto , musical de James Gaffigan y un reparto encabezado por Vida Miknevičiūtė . La soprano lituana hace su presentación española confirmando una trayectoria internacional en la que no ha dejado de escalar posiciones. Chrysothemis en 'Elektra', con Daniel Barenboim, en 2019; Elsa de 'Lohengrin'. dirigida por Matthias Pintscher en 2020, y Sieglinde de 'La valquiria' junto a Christian Thielemann en 2023, marcan puntos decisivos en una carrera en la que ' Salomé ' ocupa una posición referencial. Como Salomé, Miknevičiūtė se convierte en un fenómeno vocal cuyas raíces se alejan de las habituales interpretaciones a cargo de sopranos de voz ancha y rotunda dramaticidad. Su propuesta recupera el ámbito lírico y algo ingenuo que reclamaba Strauss y que en su día pudo defender la búlgara Ljuba Welitsch , quien agotó la carrera tras someter a la garganta a las inclemencias vocales del personaje. Miknevičiūtė mide las fuerzas, pero no en un sentido conservador sino como forma de concentración expresiva. La fuerza juvenil, la limpieza, los agudos inapelables, acerados y la calidez son una constante fuente de inspiración para un papel que mira directamente a la escena final en la que el canto, y la acción casi detenida, dan sentido a la obra. El 15 de mayo puede escucharse a Miknevičiūtė, junto a la Orquesta y Coro Nacionales de España y el director David Afkham , en el primer acto de 'La valquiria'. El triunfo de Miknevičiūtė en Valencia es un hecho capaz de ensombrecer otras perspectivas con independencia de la robustez del reparto, la intensidad de la dirección musical y la consistente propuesta escénica. Los saludos finales, repetidos por todos los intérpretes a la vez y no de forma separada, impidieron un reconocimiento más individualizado de cada uno de ellos. Por ejemplo, de James Gaffigan , quien vuelve a convertir a la Orquestra de la Comunitat Valenciana en un inductor necesario. La calidad instrumental, el color, la textura sonora dan cuenta de la seguridad sinfónica alcanzada en 'Salomé'; la flexibilidad en el acompañamiento y la complicidad con el escenario explican el punto de fusión con los sueños y fantasmas que recorren la producción de Michieletto. Nicholas Brownlee construye el papel Jochanaan con un centro soberbio, con voz redonda y compacta, muy en línea con una apariencia física importante tras la que queda en mera anécdota la 'delgada estatua de marfil' que en él ve Salomé. Strauss decía que hubiera querido que el personaje fuera un poco grotesco, pero no es así. Tiene mucha enjundia. La ingenuidad, la falta de pliegues y la naturaleza esencialmente primaria quedan reservadas a Narraboth, muy bien cantado y actuado por el tenor americano Christopher Sokolowski . El tenor británico John Daszak convierte a Herodes en un depravado a través de una voz de metal, aguda e incisiva. Salomé, como todos los mitos que perfilan la existencia humana, vive en un tiempo remoto y en un lugar indefinido y, desde él, asoma con apariencias muy diversas. Tiziano se fijó en su dimensión plácidamente bíblica; Caravaggio prefirió centrarse en el claroscuro de su lujuria; Aubrey Beardsley profundizó en la perturbadora sensualidad del personaje, y sus dibujos acompañaron el relato icónico de Oscar Wilde , todavía vigente en la moderna representación del personaje. Dalí, Gustave Moreau, Edvard Munch, Anglada-Camarasa… trataron de evocar su mortal atractivo. No existe una sola Salomé, como no hay un solo Orfeo o un solo Don Quijote, y cualquiera de sus representaciones implica la imperfección. También el trabajo escénico de Damiano Michieletto tiene fisuras, en su intento por ser la respuesta a la recreación operística firmada por Strauss, quien destiló a su vez el drama de Wilde. Pero el trabajo posee sentido y orientación, y crece a la par que la obra con la danza de los siete velos como consumación de una violación parricida. Es entonces cuando la máscara de Herodes se reproduce en otros tantos personajes que bailan y colaboran al abuso, definitivamente expresado a través de la monumentalidad de un gran vestido blanco del que cuelgan infinidad de largos hilos rojos como expresión de la sangre. La imagen es contundente y enlaza sin remisión con una última escena que deja regustos musicales y escénicos indiscutibles hasta que finalmente Salomé se arranca el pelo para lamentarse desde la vejez de lo que ya es imposible recuperar. Lo hace bajo la sombra de un gran camafeo con la imagen de Jochanaan, que cuelga rodeado de rayos dorados como aura de santidad: «Sé que me habrías amado», dice poco antes de caer finalmente a la cisterna del prisionero. La imagen moderna de Salomé como mujer fatal sigue activa aunque Michieletto la explique retrayéndose al momento en el que, siendo niña, fue violada por su padre para luego acabar ultrajada por el padrastro. Se sucede la duplicación del personaje viviendo la infancia y la madurez, mientras a su alrededor surge la inquietante visión de seis ángeles de alas negras, que la iconografía actual sigue venerando como síntesis de redención, de lo atormentado y lo corrupto. A partir de ahí, 'Salomé' se convierte en una liturgia que, más allá de su abstracta arquitectura, desarrolla una evidente voluntad ritual. Todo esto se adivina poco a poco porque, si el punto de partida es desconcertante, la meta que alcanza supera las expectativas. La ceremoniosa presencia del fuego rodeando la cisterna en la que está encerrado Jochanaan, su elevación sobre un altar con el nombre de Herodes y un cordero en los brazos, el derramamiento de la sangre… son símbolos poderosos que ayudan a intensificar el sentido limítrofe de una personalidad intemporal a la que Vida Miknevičiūtė, y todo el equipo artístico de esta producción, hacen creíble.
