Materiens mytologi och poetik i Kiefer
Nästan två decennier har gått sedan den tidigare individuella (och retrospektiva) utställningen av Anselm Kiefer (Tyskland, 1945) på Guggenheimmuseet i Bilbao. Efter att ha haft möjligheten att se den där gigantiska och spektakulära (läs i flera av dess betydelser) utställning, hade jag inte slutat undra hur denna mediehändelse skulle presenteras som vida överskrider de fysiska begränsningarna för "hemska" rum för en konstnär som har gjort en poäng av att ta måleriet till väggmålningar utan väggar och att sträcka ut skulpturen till den arkitektoniska nivån. Och jag säger arkitektoniskt, inte bara på grund av de enorma format som han inte har slutat utforska och utnyttja, utan också för att Kiefer vid det här tillfället har tagit sitt samarbetsengagemang till det yttersta att i sin ateljé skapa en fullskalig "modell" av de sex rummen som ställts upp på Hortensia Herrero Art Center, platsen för evenemanget, för att hysa de sju utvalda verken, som tillsammans med de tre utvalda verken, som aldrig har valts ut. utställningsprojekt.
Lösningen har genomgått en noggrann relationsövning ur ett trippelperspektiv: dialog med samlingens permanenta verk; välj grundläggande teman från sin karriär och anpassa varje verk med noggrann precision till vart och ett av de olika rummen. Resultatet har varit lika sammanhängande som övertygande. Hans början på 70-talet präglades av en serie fotografiska handlingar där han direkt mötte tyngden av det nazistiska förflutna.
På åttiotalet var hans monumentala målningar spjutspetsen för den europeiska neoexpressionistiska rörelsen som var så beundrad av en majoritet då och förtalad av andra senare. De där brända halmfälten, de där flygplanen och blyböckerna, de där centrala perspektiven som exploderade i ditt ansikte, slog sig ner i den kollektiva fantasin hos de unga generationerna som alltid var ivriga efter starka känslor (bland annat inkluderade jag mig själv med blind tro). Nittiotalets decennium kommer att markera hans världsomspännande erkännande och hans uppstigning till den institutionella konstens Olympus.
Uttryckskraften hos en viss kraftfullt dramatisk och germansk romantik (fördärvets ledmotiv ledde till förstörelse och förintelse) gav plats för vad vi skulle kunna kalla en materiens mytologi. De filosofiska, litterära, religiösa och mytologiska referenserna som inte har upphört att animera hans verk har tagit form – i sin mest bokstavliga mening – i en uppsättning material av extraordinär närvaro och kraft. Olika namn på grekiska nymfer, Electra, Dryad, Danae, ger namn åt skogar och arkitekturer av kvasi-skulptural soliditet.
De uttalade fyllningarna, användningen av målade metallsnitt, den ihållande användningen av snitt, repor och attacker av överlagrade färgskikt som samlats som geologiska skikt påverkar energin som frigörs från materien. Om bly symboliserar historiens förödande och föränderliga tyngd, hänvisar oförgängligt guld (det tappar aldrig sin glans) oss till den eviga tiden så främmande och avlägsen från mänsklig dödlighet.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
6 maj 2026, 08:30
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
Mitologías y poéticas de la materia en Kiefer
Beskrivning
Prácticamente se cumplen dos décadas desde la anterior exposición individual (y retrospectiva) de Anselm Kiefer (Alemania, 1945) en el Museo Guggenheim de Bilbao. Habiendo tenido la oportunidad de ver aquella gigantesca y espectacular (léase en varias de sus acepciones) muestra, no había dejado de preguntarme cómo iba a plantearse este acontecimiento mediático que supera con creces las limitaciones físicas de unas salas 'domésticas' para un artista que ha hecho alarde de llevar la pintura a dimensiones murales sin muros y de tensar la escultura hasta lo arquitectónico. Y digo arquitectónico, no solo por los formatos descomunales que no ha dejado de explorar y explotar, sino también porque, en esta ocasión, Kiefer ha llevado su implicación colaborativa hasta el extremo de realizar en su estudio una 'maqueta' a escala real de las seis salas habilitadas en el Centro de Arte Hortensia Herrero, sede de la cita, para acoger las siete obras seleccionadas, que junto a las tres permanentes y otra nunca expuesta, conforman este singularísimo proyecto expositivo. La solución ha pasado por un cuidadoso ejercicio relacional desde una triple perspectiva: dialogar con las obras permanentes de la colección; elegir temas fundamentales de su trayectoria y ajustar con precisión meticulosa cada obra a cada una las diferentes salas. El resultado ha sido tan coherente como convincente. Sus inicios en los años 70 estuvieron marcados por una serie de acciones fotográficas en las que afrontaba directamente el peso del pasado nazi. En los ochenta, sus monumentales pinturas fueron punta de lanza de esa corriente neoexpresionista europea tan admirada entonces por una mayoría como denostada por otros después. Esos campos de paja quemados, esos aviones y libros de plomo, esas perspectivas centrales que te explotaban en la cara, se instalaron en el imaginario colectivo de las jóvenes generaciones siempre ávidas de emociones fuertes (entre los que me incluía con fe ciega). La década de los noventa supondrá su reconocimiento mundial y su ascensión al Olimpo del arte institucional. La potencia expresiva de un cierto romanticismo poderosamente dramático y germánico (el leit motiv de la ruina llevado a la destrucción y la aniquilación) fue dando paso a lo que podríamos denominar una mitología de la materia. Las referencias filosóficas, literarias, religiosas y mitológicas que no han dejado de animar su trabajo, han ido tomando cuerpo –en su sentido más literal– en un conjunto de materias de una presencia y potencias extraordinarias. Varios nombres de ninfas griegas, Electra, Dríade, Dánae, dan nombre a bosques y arquitecturas de una solidez cuasi escultórica. Los pronunciados empastes, el uso de recortes metálicos pintados, el persistente uso de las incisiones, rascados y agresiones de capas superpuestas de pintura acumuladas como estratos geológicos inciden en que la energía se desprende de la materia. Si el plomo simboliza el peso demoledor y cambiante de la Historia, el oro incorruptible (nunca pierde su brillo) nos remite a ese tiempo eterno tan ajeno y lejano de la mortalidad humana.
